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Autor: vicherrera

Pruebas

st=>start: Inicio
op1=>operation: Conectar dos altavoces en paralelo (8Ω cada uno)
op2=>operation: Conectar otros dos altavoces en paralelo (8Ω cada uno)
op3=>operation: Conectar los dos conjuntos en serie
cond=>condition: ¿Impedancia calculada correctamente?
e=>end: Impedancia total obtenida

st->op1->op2->op3->cond
cond(yes)->e
cond(no)->op1

2.2 Introducción al Sampling II (Decent Sampler)

¿Qué es Decent Sampler?

Decent Sampler es una plataforma sencilla pero poderosa para diseñar instrumentos a partir de muestras de audio. Imagina que grabas el sonido de un piano, pero solo una nota. Con Decent Sampler, puedes hacer que esa única nota suene en todas las teclas del piano virtual, ajustando su tono. Además, puedes usar múltiples muestras para diferentes rangos de notas y velocidades, haciendo que el instrumento suene más realista.

Objetivo de esta clase

Aprenderás a crear un instrumento de sampleo asignando diferentes muestras de audio a notas específicas y rangos de velocidad (velocity). Utilizaremos un archivo XML para configurar los parámetros clave que permiten que las muestras se reproduzcan de manera adecuada.


Paso 1: Preparar las muestras de audio

Antes de configurar el archivo XML, debes tener listas las muestras de audio que utilizarás para el instrumento. Estas muestras son grabaciones individuales de diferentes notas y velocidades (intensidades). Asegúrate de que cada archivo de audio esté claramente nombrado, por ejemplo:

  • Ab1-0-42-root.wav
  • A1-43-85-root.wav
  • B1-86-127-root.wav

Estos nombres indican la nota, el rango de velocidad (velocity), y el archivo específico que se reproducirá cuando toquemos una tecla con determinada intensidad.

Paso 2: Configurar el archivo XML de Decent Sampler

Ahora que tienes las muestras, vamos a configurarlas en un archivo XML, que es el "cerebro" de tu instrumento. Aquí es donde se especifican qué muestras se tocan en qué notas y con qué intensidad.

Aquí tienes una plantilla XML que utilizaremos:

<?xml version="1.0" encoding="UTF-8"?>
<DecentSampler minVersion="1.0.0">
    <groups>
        <group>
            <sample rootNote="32" loNote="32" hiNote="32" loVel="0" hiVel="42" path="Root/Ab1-0-42-root.wav" />
            <sample rootNote="32" loNote="32" hiNote="32" loVel="43" hiVel="85" path="Root/Ab1-43-85-root.wav" />
            <sample rootNote="32" loNote="32" hiNote="32" loVel="86" hiVel="127" path="Root/Ab1-86-127-root.wav" />
            <sample rootNote="33" loNote="33" hiNote="33" loVel="0" hiVel="42" path="Root/A1-0-42-root.wav" />
            <sample rootNote="33" loNote="33" hiNote="33" loVel="43" hiVel="85" path="Root/A1-43-85-root.wav" />
            <!-- Más muestras aquí -->
        </group>
    </groups>
</DecentSampler>

Parámetros importantes

En esta sección, aprenderemos a entender los parámetros clave en el archivo XML:

  • rootNote: Es la nota principal en la que la muestra suena de manera natural (sin cambios de tono). Se expresa como un número MIDI, donde 32 es Ab1, 33 es A1, etc.

  • loNote y hiNote: Definen el rango de notas en las que esta muestra se reproducirá. En este caso, loNote="32" y hiNote="32" indican que esta muestra solo sonará cuando se toque la nota Ab1.

  • loVel y hiVel: Indican el rango de velocidad (intensidad) con el que se tocará la muestra. Por ejemplo, loVel="0" y hiVel="42" significan que esta muestra se activará cuando se toque la nota con una velocidad entre 0 y 42.

  • path: Es la ubicación del archivo de audio que se está utilizando. Asegúrate de que los archivos de audio estén en la carpeta correcta y que el nombre del archivo coincida con el que se indica en el XML.

¿Cómo saber qué número MIDI corresponde a cada nota?

El sistema MIDI asigna un número a cada nota del teclado, comenzando desde C-1 (Do-1) en el número 0 hasta G9 (Sol9) en el número 127. Aquí tienes una referencia rápida para algunas notas comunes:

Nota Musical Número MIDI
C0 12
C#0 / Db0 13
D0 14
E0 16
F0 17
G0 19
C1 24
C#1 / Db1 25
D1 26
E1 28
F1 29
G1 31
A1 33
C2 36
C3 48
C4 (Middle C) 60
C5 72

Cada octava tiene 12 notas (de C a B, incluidos los sostenidos y bemoles). El número aumenta a medida que subimos en el rango de notas.

Por ejemplo, la nota A1 (La1) tiene el número 33 en MIDI. Si tienes una muestra de audio para A1, tu archivo XML se verá así:

<sample rootNote="33" loNote="33" hiNote="33" loVel="0" hiVel="127" path="Root/A1-root.wav" />

Esto asegura que tu muestra suene correctamente cuando toques la nota A1 en tu teclado.

Paso 3: Asignar las muestras a diferentes notas y velocidades

En el ejemplo anterior, asignamos tres muestras diferentes a la nota Ab1 (rootNote 32) con diferentes rangos de velocidad. Esto permite que cuando toques la nota Ab1 suavemente, suene la muestra con loVel="0" y hiVel="42". Si la tocas más fuerte, reproducirá las muestras correspondientes a los otros rangos de velocidad.

Repite este proceso para cada una de las notas que desees incluir en tu instrumento.

Paso 4: Guardar y probar tu instrumento

  1. Una vez que tengas todas las muestras configuradas, guarda tu archivo XML en la carpeta donde tengas tus muestras de audio, recuerda guardarlo con la extensión .dspreset, ejemplo: Acordeon.dspreset
  2. Abre Decent Sampler y carga el archivo XML para probar tu instrumento.

Si has seguido los pasos correctamente, deberías poder tocar cada nota y escuchar las muestras asignadas a los diferentes rangos de velocidad.

Consejos adicionales:

  • Afinación: Asegúrate de que tus muestras estén correctamente afinadas para que se correspondan con las notas MIDI asignadas.
  • Rangos de notas: Si quieres que una muestra cubra más de una nota, ajusta los valores de loNote y hiNote en consecuencia.
  • Rangos de velocidad: Experimenta con diferentes divisiones de velocidad para hacer tu instrumento más expresivo.

Conclusión

Crear tu propio instrumento de sampleo en Decent Sampler es una excelente manera de personalizar sonidos y explorar el diseño sonoro. Con solo un archivo XML y tus muestras de audio, puedes diseñar un instrumento que responda a diferentes notas y velocidades, lo que te permite lograr una mayor expresividad y detalle en tus producciones musicales.

Aquí tienes una sección adicional para tu blog con los recursos que mencionas:


Recursos adicionales

Si quieres profundizar más en Decent Sampler y aprender a usarlo o desarrollarlo, aquí te dejo algunos recursos útiles:


4.3 Arreglos de Sub Bajos Gradiente

Descripción y Funcionamiento

El arreglo gradient combina subwoofers frontales y traseros para lograr un control direccional más preciso. Se basa en la utilización de retardos y polaridades para ajustar el patrón de radiación.

Configuración Básica

  • Dos filas de subwoofers, una frontal y otra trasera.
  • Inversión de polaridad y aplicación de retardos en una de las filas.

Cálculo de Distancias y Retardos

3.1. Parámetros Iniciales

  • Frecuencia de interés (( f ))
  • Velocidad del sonido (( c ))
  • Distancia entre filas (( d ))

3.2. Cálculo del Retardo ( ( \tau ) )

El retardo se calcula para lograr una cancelación hacia atrás y suma hacia adelante.

\tau = \frac{d}{c}

3.3. Configuración de Polaridades

  • Fila frontal: Polaridad normal.
  • Fila trasera: Polaridad invertida.

3.4. Ejemplo Práctico

Datos:

  • Frecuencia objetivo: ( f = 80\, \text{Hz} )
  • Velocidad del sonido: ( c = 343\, \text{m/s} )
  • Distancia entre filas ( ( d ) ): Determinada por ( \lambda/4 )

Paso 1: Calcular la longitud de onda ( ( \lambda ) )

\lambda = \frac{343}{80} = 4.2875\, \text{m}

Paso 2: Determinar la distancia entre filas ( ( d ) )

d = \frac{\lambda}{4} = 1.0719\, \text{m}

Paso 3: Calcular el retardo ( ( \tau ) )

\tau = \frac{1.0719}{343} = 0.003126\, \text{s} = 3.13\, \text{ms}

Configuración:

  • Subwoofers frontales:
    • Sin retardo.
    • Polaridad normal.
  • Subwoofers traseros:
    • Retardo de 3.13 ms.
    • Polaridad invertida.
    • Ubicados a 1.0719 m detrás de los frontales.

Funcionamiento:

  • Hacia adelante:
    • Las ondas de los subwoofers frontales y traseros se suman constructivamente.
  • Hacia atrás:
    • Las ondas se cancelan debido a la inversión de polaridad y el retardo aplicado.

Ventajas:

  • Mayor control direccional en comparación con el arreglo cardioide simple.
  • Flexibilidad para ajustar el patrón de radiación.

Comparación de las Técnicas

Técnica Control Direccional Configuración Ventajas Desventajas
End-Fire Hacia adelante Subwoofers alineados con retardos progresivos – Direccionalidad frontal efectiva
– Configuración lineal
– Requiere espacio en profundidad
– Menor eficiencia en frecuencias altas
Arc-Delay Cobertura amplia y uniforme Subwoofers en línea con retardos calculados – Cobertura horizontal amplia
– Ideal para grandes audiencias
– Complejidad en cálculos y configuración
– Requiere sincronización precisa
Gradient Personalizado Subwoofers frontales y traseros con retardos e inversión de polaridad – Control avanzado del patrón de radiación
– Reducción significativa hacia atrás
– Requiere más subwoofers y procesamiento
– Mayor espacio físico

Conclusión

Cada técnica de arreglo de sub bajos ofrece diferentes ventajas y es adecuada para situaciones específicas. Al comprender cómo calcular los retardos y configurar los subwoofers, puedes diseñar sistemas que optimicen la cobertura y minimicen problemas de direccionalidad.


4.1 Arreglos de Sub Bajos Arc Delay

Descripción y Funcionamiento

Los arreglos en arco buscan ampliar la cobertura horizontal de los subwoofers. Esto se logra posicionando los subwoofers en línea recta y aplicando retardos para simular una formación curva.

Configuración Básica

  • Subwoofers dispuestos en línea recta a lo largo del frente del escenario.
  • Retardos aplicados a los subwoofers laterales para crear una fuente virtual curva.

Cálculo de Retardos

2.1. Parámetros Iniciales

  • Ancho del escenario (( W )): Distancia total entre los subwoofers más externos.
  • Número de subwoofers (( N )): Mínimo 3 para un efecto notable.
  • Distancia al punto focal (( D )): Distancia desde los subwoofers hasta el punto central del área del público.

2.2. Cálculo de Retardos

El retardo para cada subwoofer se calcula para que las ondas sonoras de todos ellos lleguen simultáneamente al punto focal.

Paso 1: Determinar la posición de cada subwoofer ( ( x_n ) )

Si los subwoofers están espaciados uniformemente:

x_n = -\frac{W}{2} + (n - 1) \times s

Donde:

  • ( s ) = Espacio entre subwoofers ( ( s = \frac{W}{N – 1} ) )
  • ( n ) = Número del subwoofer (1 al N)

Paso 2: Calcular la distancia desde cada subwoofer al punto focal ( ( d_n ) )

d_n = \sqrt{D^2 + x_n^2}

Paso 3: Calcular el retardo para cada subwoofer ( ( \tau_n ) )

\tau_n = \frac{d_{\text{máx}} - d_n}{c}

Donde:

  • ( d_{\text{máx}} ) = La mayor distancia entre los subwoofers y el punto focal.
  • ( c ) = Velocidad del sonido.

2.3. Ejemplo Práctico

Datos:

  • Ancho del escenario ( ( W ) ): 12 metros.
  • Número de subwoofers ( ( N ) ): 5.
  • Distancia al punto focal ( ( D ) ): 20 metros.
  • Velocidad del sonido ( ( c ) ): 343 m/s.

Paso 1: Calcular el espacio entre subwoofers ( ( s ) )

s = \frac{W}{N - 1} = \frac{12\, \text{m}}{5 - 1} = 3\, \text{m}

Paso 2: Determinar la posición de cada subwoofer ( ( x_n ) )

x_1 = -\frac{12}{2} + (1 - 1) \times 3 = -6\, \text{m}
x_2 = -6 + 3 = -3\, \text{m}
x_3 = -6 + 6 = 0\, \text{m}
x_4 = -6 + 9 = 3\, \text{m}
x_5 = -6 + 12 = 6\, \text{m}

Paso 3: Calcular la distancia al punto focal ( ( d_n ) )

d_n = \sqrt{D^2 + x_n^2}
d_1 = \sqrt{20^2 + (-6)^2} = \sqrt{400 + 36} = \sqrt{436} \approx 20.88\, \text{m}
d_2 = \sqrt{20^2 + (-3)^2} = \sqrt{400 + 9} = \sqrt{409} \approx 20.19\, \text{m}
d_3 = \sqrt{20^2 + 0^2} = 20\, \text{m}
d_4 = d_2 \approx 20.19\, \text{m}
d_5 = d_1 \approx 20.88\, \text{m}

Paso 4: Determinar ( d_{\text{máx}} )

d_{\text{máx}} = 20.88\, \text{m}

Paso 5: Calcular el retardo para cada subwoofer ( ( \tau_n ) )

\tau_n = \frac{d_{\text{máx}} - d_n}{c}
\tau_1 = \frac{20.88 - 20.88}{343} = 0\, \text{ms}
\tau_2 = \frac{20.88 - 20.19}{343} = \frac{0.69}{343} \approx 2.01\, \text{ms}
\tau_3 = \frac{20.88 - 20}{343} = \frac{0.88}{343} \approx 2.57\, \text{ms}
\tau_4 = \tau_2 \approx 2.01\, \text{ms}
\tau_5 = 0\, \text{ms}

Configuración:

  • Subwoofers laterales (1 y 5): Sin retardo.
  • Subwoofer central (3): Retardo de 2.57 ms.
  • Subwoofers intermedios (2 y 4): Retardo de 2.01 ms.

Funcionamiento:

  • Las ondas sonoras de todos los subwoofers llegan simultáneamente al punto focal, creando una cobertura amplia y uniforme.

4.2 Arreglos de Sub Bajos End-Fire

Descripción y Funcionamiento

El arreglo end-fire consiste en colocar dos o más subwoofers alineados en la dirección del público, uno detrás de otro. Se aplican retardos progresivos a los subwoofers para lograr una direccionalidad hacia adelante, minimizando la energía sonora hacia atrás.

Configuración Básica

  • Subwoofers alineados en el eje frontal-trasero, apuntando hacia el público.
  • Retardos progresivos aplicados a los subwoofers traseros.

Cálculo de Retardos y Distancias

1.1. Parámetros Iniciales

  • Frecuencia de interés:
f
  • Velocidad del sonido:
c = 343 \, \text{m/s}

a 20°C.

  • Número de subwoofers:
N

, mínimo 2.

1.2. Distancia entre Subwoofers

d

La distancia entre los subwoofers se suele establecer en función de la longitud de onda

\lambda

de la frecuencia de interés.

d = \frac{\lambda}{4}

Donde:

\lambda = \frac{c}{f}

1.3. Cálculo de Retardos

\tau_n

El retardo aplicado a cada subwoofer se calcula para alinear las ondas sonoras hacia adelante y desalinearlas hacia atrás.

Para un arreglo de dos subwoofers, el retardo al subwoofer trasero es:

\tau = \frac{d}{c}

Para tres o más subwoofers, los retardos son progresivos:

\tau_n = (n - 1) \times \Delta \tau

Donde:

n

= Número del subwoofer (1 para el frontal, 2 para el siguiente, etc.).

\Delta \tau = \frac{d}{c}

1.4. Ejemplo Práctico

Datos:

  • Frecuencia objetivo:
f = 80 \, \text{Hz}
  • Número de subwoofers:
N = 2
  • Velocidad del sonido:
c = 343 \, \text{m/s}

Paso 1: Calcular la longitud de onda

\lambda
\lambda = \frac{343 \, \text{m/s}}{80 \, \text{Hz}} = 4.2875 \, \text{m}

Paso 2: Determinar la distancia entre subwoofers

d
d = \frac{\lambda}{4} = \frac{4.2875 \, \text{m}}{4} = 1.0719 \, \text{m}

Paso 3: Calcular el retardo

\tau
\tau = \frac{d}{c} = \frac{1.0719 \, \text{m}}{343 \, \text{m/s}} = 0.003126 \, \text{s} = 3.13 \, \text{ms}

Configuración:

  • Subwoofer 1 (frontal):
    • Sin retardo.
  • Subwoofer 2 (trasero):
    • Retardo de
3.13 \, \text{ms}

.

  • Ambos subwoofers tienen la misma polaridad.

Funcionamiento:

  • Hacia adelante:
    • Las ondas de ambos subwoofers llegan en fase, sumándose constructivamente.
  • Hacia atrás:
    • Las ondas llegan fuera de fase, reduciendo la energía sonora.

1.5. Atenuación Hacia Atrás

La atenuación hacia atrás puede calcularse, pero en el arreglo end-fire es menos predecible que en el cardioide. Sin embargo, se logra una reducción significativa de energía hacia atrás.

Micrófonos para Sonido en Vivo (Bateria)

1. Exposición Inicial

  • Explica brevemente los diferentes tipos de micrófonos en el kit Sennheiser e 600 Series Drum Case y sus características.
    • Micrófonos incluidos:
    • 1x e 602-II para el bombo.
    • 4x e 604 para los toms y caja.
    • 2x e 614 para overheads o hi-hat.
  • Muestra cómo se colocan los micrófonos en cada parte de la batería y por qué esa colocación es importante para captar el sonido adecuado sin interferencias.

2. Configuración en la Consola QL1

Bombo (con el e 602-II):

  • Micrófono recomendado: e 602-II (Sennheiser).
  • Tip 1: Colocación:
    • Coloca el micrófono dentro del bombo, apuntando hacia el punto donde el pedal golpea el parche, para captar más ataque y cuerpo del bombo.
  • Tip 2: Gate y Filtro HPF:
    • Gate: Configura un gate con un threshold ajustado para que el gate se abra solo cuando el bombo suene, eliminando otros sonidos.
    • Filtro HPF: Aplica un High-Pass Filter (HPF) en 30 Hz ya que los bajos B6 no reproducen estas frecuencias.
  • Tip 3: EQ:
    • Realza los 80-100 Hz para darle más peso al bombo.
    • Añade brillo en los 3-5 kHz para resaltar el ataque del pedal.

Caja (Snare) con el e 604:

  • Micrófono recomendado: e 604 (Sennheiser).
  • Tip 1: Colocación:
    • Coloca el micrófono e 604 a unos 2-3 cm del borde del parche superior, inclinado ligeramente hacia el centro para captar el ataque.
  • Tip 2: Gate y Filtro HPF:
    • Gate: Usa un gate suave para evitar captar demasiado ruido de los otros tambores.
    • HPF: Aplica un HPF en 100-120 Hz para eliminar frecuencias bajas innecesarias.
  • Tip 3: EQ:
    • Aumenta entre 5-7 kHz para darle más claridad al ataque.
    • Reduce en 500-700 Hz para evitar un sonido "boxy" o apagado.

Toms con el e 604:

  • Micrófono recomendado: e 604 (Sennheiser) para todos los toms.
  • Tip 1: Colocación:
    • Coloca el micrófono e 604 cerca del borde del parche, inclinado hacia el centro del tambor para captar tanto el ataque como el cuerpo.
  • Tip 2: Gate y Filtro HPF:
    • Gate: Ajusta el gate para que se mantenga abierto el tiempo suficiente para captar el decaimiento natural del tom.
    • HPF: Usa un HPF en 80-100 Hz para los toms de piso y en 100-150 Hz para los toms más pequeños.
  • Tip 3: EQ:
    • Añade presencia en 4-5 kHz para resaltar el ataque.
    • Aumenta en 200-300 Hz para dar cuerpo a los toms.

Hi-hat con el e 614:

  • Micrófono recomendado: e 614 (Sennheiser).
  • Tip 1: Colocación:
    • Coloca el micrófono e 614 a unos 10-15 cm por encima del borde superior del hi-hat, apuntando hacia el centro del platillo.
  • Tip 2: Filtro HPF:
    • Usa un HPF en 200-250 Hz para limpiar las frecuencias graves y enfocarte en los sonidos agudos del hi-hat.
  • Tip 3: EQ:
    • Aumenta entre 8-10 kHz para darle brillo y claridad al hi-hat.

Overheads (Platos y Sonido General) con el e 614:

  • Micrófono recomendado: e 614 (Sennheiser).
  • Tip 1: Colocación:
    • Coloca los overheads e 614 en patrón estéreo, a unos 60 cm por encima de los platos, apuntando hacia el centro del kit para captar un sonido estéreo balanceado.
  • Tip 2: Filtro HPF:
    • Usa un HPF en 150-200 Hz para eliminar frecuencias bajas que puedan interferir con el bombo y los toms.
  • Tip 3: EQ:
    • Aumenta en 10-12 kHz para añadir brillo a los platos y los sonidos agudos.
    • Reduce en 300-500 Hz para evitar sonidos embarrados.

Consejos adicionales:

  • Verificación de Fase: Asegúrate de que cuando uses dos micrófonos en una sola fuente no estén fuera de fase, lo cual puede causar pérdida de sonido. Usa la función de inversión de fase en la consola QL1 si es necesario.
  • Compresión en el Bus de Batería: Si buscas un sonido más cohesivo, aplica una compresión suave en el bus que agrupe todos los micrófonos de la batería.
  • Monitoreo: Usa los medidores de la QL1 para asegurarte de que los niveles de ganancia estén bien controlados y no haya "clipping" en ningún canal.

Diseño Sonoro y Efectos de Sonido

El sonido es un elemento esencial en la narrativa audiovisual. Más allá de acompañar a las imágenes, tiene el poder de transmitir emociones, construir atmósferas y sumergir al espectador en la historia. En esta quinta semana, exploraremos el diseño sonoro como una herramienta narrativa fundamental.

1. Creación e Implementación de Efectos de Sonido

Los efectos de sonido son componentes clave que añaden realismo y profundidad a cualquier producción audiovisual. Estos sonidos, ya sean diegéticos o no diegéticos, pueden provenir de fuentes naturales o ser creados artificialmente.

  • Diegéticos: Sonidos cuya fuente está presente en la escena (por ejemplo, pasos, puertas que se cierran).
  • No diegéticos: Sonidos que no provienen del mundo de la historia (como la música de fondo o efectos sonoros dramáticos).

Proceso de Creación:

  1. Grabación: Captura de sonidos utilizando micrófonos y grabadoras.
  2. Edición: Selección y corte de los sonidos grabados.
  3. Procesamiento: Aplicación de efectos y modificaciones para lograr el sonido deseado.

2. Uso de Foley en la Mezcla de Cine

El Foley es el arte de recrear sonidos cotidianos para mejorar la calidad auditiva de las producciones audiovisuales. Nombrado en honor a Jack Foley, este proceso agrega realismo y profundidad a las escenas.

Pasos en el Proceso de Foley:

  1. Visualización de la Escena: Analizar qué sonidos necesitan ser recreados.
  2. Selección de Materiales: Utilizar objetos cotidianos para imitar sonidos (por ejemplo, usar hojas para simular el crujido de pasos sobre hierba).
  3. Sincronización y Grabación: Reproducir los sonidos en sincronía con la imagen.
  4. Edición y Mezcla: Integrar los sonidos grabados en la pista de audio final.

3. Ejemplos de Diseño Sonoro en Películas de Género

El diseño sonoro es especialmente notable en ciertos géneros cinematográficos, donde juega un papel crucial en la inmersión del espectador.

Terror

En películas de terror, el sonido se utiliza para generar tensión y sorpresa. El uso inteligente del silencio, ruidos inesperados y tonos agudos puede provocar emociones intensas.

Ciencia Ficción

La ciencia ficción se apoya en sonidos futuristas y ambientales para construir mundos imaginarios y tecnologías avanzadas.

  • Ejemplo: Blade Runner presenta una banda sonora que combina sonidos electrónicos y atmosféricos, sumergiendo al espectador en una metrópolis futurista.

Conclusión

El diseño sonoro es una herramienta poderosa que, cuando se utiliza de manera efectiva, puede transformar completamente una producción audiovisual. Desde la creación de efectos de sonido hasta el arte del Foley, el sonido enriquece la narrativa y profundiza la conexión emocional con el espectador.

2.1 Introducción al Sampling I

¿Qué es el Sampling?

El sampling es el proceso de tomar una porción de una grabación de sonido y reutilizarla como elemento en una nueva composición musical. Esta técnica permite:

  • Reutilizar sonidos existentes para crear algo nuevo.
  • Fusionar géneros y estilos, aportando originalidad.
  • Experimentar con texturas sonoras que de otra manera serían difíciles de recrear.

Un Vistazo a la Historia del Sampling

  • Años 1940-1950: Los pioneros de la música concreta en Francia comenzaron a experimentar con cintas magnéticas.
  • Años 1960-1970: La introducción de instrumentos como el Mellotron permitió el uso de samples pregrabados.
  • Años 1980: Los samplers digitales como el Akai MPC popularizaron el sampling en el hip-hop y la música electrónica.
  • Actualidad: El software ha democratizado el acceso al sampling, permitiendo que cualquiera pueda incorporar esta técnica en su música.

Tipos de Samples y Sus Usos

  1. One-shots:

    • Descripción: Sonidos individuales y cortos (ej. golpes de batería, notas aisladas).
    • Uso: Creación de ritmos, melodías o efectos puntuales.
  2. Loops:

    • Descripción: Fragmentos de audio que pueden repetirse cíclicamente.
    • Uso: Bases rítmicas, líneas de bajo, patrones melódicos.
  3. Frases Melódicas:

    • Descripción: Secuencias melódicas más largas.
    • Uso: Añadir hooks o elementos destacados en una pista.
  4. Ambientes y Efectos:

    • Descripción: Sonidos ambientales, texturas, efectos sonoros.
    • Uso: Crear atmósferas, transiciones, profundidad en la mezcla.

Aspectos Legales y Éticos del Sampling

  • Derechos de Autor: Siempre verifica si el sample que deseas usar está protegido por derechos de autor.
  • Licencias Libres: Utiliza samples con licencias Creative Commons o de bibliotecas de dominio público.
  • Originalidad y Respeto: Aporta tu toque creativo y respeta el trabajo de otros artistas.

Organiza tus Samples

Antes de comenzar, es útil tener tus samples organizados en una carpeta específica en tu computadora para facilitar su acceso desde Ableton Live.

  1. Crea una Carpeta para tus Samples:

• En tu computadora, crea una carpeta donde almacenarás todos los samples que utilizarás en tu proyecto. Por ejemplo, puedes llamarla “Mis Samples”.

• Copia o mueve todos los archivos de audio (samples) que deseas usar a esta carpeta.

Introducción al Sampler de Ableton Live

El Sampler es una herramienta poderosa que te permite manipular samples de maneras ilimitadas.

Importando Samples al Sampler

Agregar la Carpeta de Samples a “Places” en Ableton Live
  1. Abre Ableton Live:

• Inicia Ableton Live en tu computadora.

• Abre el proyecto en el que estás trabajando o crea uno nuevo si es necesario.

  1. Accede al Navegador de Ableton Live:

• A la izquierda de la interfaz de Ableton Live, encontrarás el Navegador. Aquí es donde puedes acceder a todos tus instrumentos, efectos y archivos.

  1. Agregar la Carpeta de Samples a “Places”:

• En el navegador, verás una sección llamada “Places”.

• Haz clic en el botón “Add Folder” (Agregar Carpeta), que está representado por un ícono de carpeta con un signo más (+).

• En versiones recientes de Ableton Live, este botón aparece al pasar el cursor sobre la sección “Places”, en la parte inferior, y se muestra como “Add Folder…”.

• Se abrirá una ventana del explorador de archivos de tu sistema operativo.

• Navega hasta la carpeta “Mis Samples” que creaste previamente.

• Selecciona la carpeta y haz clic en “Abrir” o “Open”.

• La carpeta ahora aparecerá en la sección “Places” del navegador de Ableton Live, facilitando el acceso a tus samples directamente desde el programa.

Explorando la Interfaz del Sampler

  • Zona de Mapeo (Zone):

    • Asigna samples a diferentes rangos de notas.
    • Crea capas de sonidos para enriquecer tu instrumento virtual.
  • Envolventes (Envelopes):

    • ADSR (Attack, Decay, Sustain, Release): Controla cómo evoluciona el volumen del sample.
    • Ajusta para crear sonidos percusivos o pads suaves.
  • Filtros y LFOs:

    • Filtros: Modifica el tono y elimina frecuencias no deseadas.
    • LFOs (Low-Frequency Oscillators): Añade modulación para generar vibrato, trémolo y otros efectos.

Manipulación Básica del Sample

  • Pitch (Tono):

    • Transpone el sample para ajustar su altura tonal.
    • Crea melodías o armonías a partir de un solo sample.
  • Time Stretching (Estiramiento de Tiempo):

    • Ajusta la duración sin alterar el tono.
    • Sincroniza loops con el tempo de tu proyecto.
  • Looping:

    • Selecciona una sección para que se repita continuamente.
    • Útil para crear drones o ritmos constantes.
  • Slicing (Rebanado):

    • Divide el sample en partes más pequeñas.
    • Reordena y reproduce los slices para crear nuevos patrones.

Ejercicio Práctico: Creando Sonidos con Samples

Objetivo: Aprender a importar y manipular samples en Ableton Live para crear sonidos únicos.

Paso 1: Selección del Sample

Elige un sample que te inspire:

  • Puede ser un one-shot de percusión, un loop melódico o cualquier sonido que te guste.
  • Asegúrate de que el sample sea libre de derechos o que tengas permiso para usarlo.

Paso 2: Importación al Sampler

  • Crea una pista MIDI en Ableton Live.
  • Añade el dispositivo Sampler a la pista.
  • Arrastra el sample seleccionado al Sampler.

Paso 3: Exploración y Manipulación

  • Ajusta el Pitch:

    • Usa el control de Transposición para cambiar el tono.
    • Experimenta tocando diferentes notas en tu teclado MIDI.
  • Modifica la Envolvente:

    • Ajusta los parámetros de Attack para un inicio suave o inmediato.
    • Modifica el Release para que el sonido se corte abruptamente o se desvanezca.
  • Aplica Filtros:

    • Activa el filtro y selecciona un tipo (pasa-bajos, pasa-altos).
    • Ajusta la Frecuencia de Corte y la Resonancia.
  • Añade Modulación con LFO:

    • Asigna el LFO a parámetros como el pitch o el filtro.
    • Configura la velocidad y la forma de onda del LFO.

Paso 4: Creación de un Loop o Patrón

  • Si trabajas con un loop, ajusta el tempo para que coincida con tu proyecto.
  • Si utilizas un one-shot, crea un patrón rítmico o melódico en el Editor MIDI.
  • Usa la función de Loop en el Sampler para repetir secciones específicas.

Paso 5: Guardar tu Creación

  • Una vez satisfecho con el resultado, guarda el preset del Sampler para usarlo en futuros proyectos.
  • Puedes también congelar y aplanar la pista para convertirla en audio y liberar recursos del CPU.

Consejos para un Sampling Exitoso

  • Sé Creativo: No te limites a los ajustes predeterminados; explora y descubre nuevos sonidos.

  • Combina Samples: Superpone varios samples para crear texturas ricas.

  • Usa Efectos Adicionales:

    • Añade reverberación, delay o distorsión para realzar tu sonido.
    • Experimenta con plugins externos o efectos de Ableton Live.
  • Automatiza Parámetros:

    • Crea movimiento y evolución en tu sonido automatizando el filtro, el volumen o el pitch.

Recursos Útiles

3.1 Montaje y Configuración del Sistema de Sonido d&b

¡Hola a todos! En esta sesión, profundizaremos en el montaje y configuración de un sistema de amplificación pasivo utilizando el equipo **d&b audiotechnik** disponible en la EAS. Este material estará a tu disposición para consultarlo cuando lo necesites.

Equipos Utilizados

Altavoces d&b T10 (6 unidades)

  • Cantidad en uso: 4 (2 por lado)
  • Respuesta de frecuencia (-5 dB): 68 Hz – 18 kHz
  • Máximo SPL (1 m): 132 dB SPL (con amplificador D80)
  • Dispersión nominal:
    • Modo línea: 90° x 35°
    • Modo punto fuente: 105° x 35°
  • Potencia nominal (RMS): 200 W
  • Impedancia nominal: 16 Ω

Subwoofers d&b B6 (2 unidades)

  • Cantidad en uso: 2 (1 por lado)
  • Respuesta de frecuencia (-5 dB): 37 Hz – 140 Hz
  • Máximo SPL (1 m): 134 dB SPL (con amplificador D80)
  • Potencia nominal (RMS): 400 W
  • Impedancia nominal: 8 Ω
  • Transductor: Altavoz de 18" con imán de neodimio

Amplificador d&b D80

  • Potencia de salida por canal:
    • 4 x 4000 W a 4 Ω
  • Respuesta de frecuencia (-1 dB): 35 Hz – 20 kHz
  • Relación señal/ruido (sin ponderación, RMS):
    • Entrada analógica: > 114 dBr
    • Entrada digital: > 114 dBr
  • Frecuencia de muestreo: 96 kHz / 27 bits ADC / 24 bits DAC
  • Generador de frecuencia:
    • Ruido rosa u onda sinusoidal
  • Ecualizador:
    • 2 x PEQ de 16 bandas / Notch / Shelving / Asimétrico

1. Configuración del Sistema en Estéreo

1.1. Arreglo de Altavoces

  • Dos T10 y un B6 por lado conectados mediante un único cable Speakon de 4 hilos.
  • Uso de los cuatro canales del amplificador D80: Canales A, B, C y D.

1.2. Configuración del Amplificador D80 en Modo "Mix TOP/SUB"

¿Por Qué Usamos el Modo "Mix TOP/SUB"?

  • Optimización del Procesamiento:
    • Permite que los sistemas de rango completo (T10) y los subwoofers (B6) se vinculen y conecten al amplificador mediante un único cable.
  • Facilidad de Ruteo:
    • Ambos canales del par correspondiente (A/B y C/D) están conectados a las salidas respectivas, y las entradas de audio pueden asignarse mediante el ruteo de entrada.
  • Simplificación del Cableado:
    • Reduce la cantidad de cables y conexiones, facilitando el montaje y minimizando errores.

2. Montaje Paso a Paso

2.1. Preparación del Espacio

  • Seguridad primero: Asegura que el área esté libre de obstáculos y que el suelo sea estable.
  • Distribución del equipo: Coloca los subwoofers B6 en el suelo y los T10 sobre los B6 utilizando los accesorios de montaje adecuados.

2.2. Montaje de los Altavoces T10 y Subwoofers B6

  • Apilado: Forma una columna con los dos T10 sobre el B6 en cada lado.
  • Conexiones:
    • Utiliza cables NL4 Speakon de 4 conductores para cada lado.

3. Conexiones y Ruteo

3.1. Cableado

Conexión de los Altavoces al Amplificador

  • Canal A/B (Lado Izquierdo):
    • Canal A: T10 (TOP)
    • Canal B: B6 (SUB)
  • Canal C/D (Lado Derecho):
    • Canal C: T10 (TOP)
    • Canal D: B6 (SUB)

Configuración de los Conectores Speakon NL4

Los conectores de salida del amplificador están cableados de la siguiente manera en el modo "Mix TOP/SUB":

  • NL4 SPEAKER OUTPUTS A/B (C/D):
    • 1+ = Amp A (C) positivo (TOP)
    • 1– = Amp A (C) negativo (TOP)
    • 2+ = Amp B (D) positivo (SUB)
    • 2– = Amp B (D) negativo (SUB)

3.2. Configuración en el D80

Selección de Presets

  • Canal A (TOP Izquierdo): Selecciona el preset "T10".
  • Canal B (SUB Izquierdo): Selecciona el preset "B6-SUB".
  • Canal C (TOP Derecho): Selecciona el preset "T10".
  • Canal D (SUB Derecho): Selecciona el preset "B6-SUB".

Configuración del Modo "Mix TOP/SUB"

  • Activa el modo "Mix TOP/SUB (A/B MIX, C/D MIX)" en el D80.
  • Asegura que el ruteo de entrada esté configurado correctamente para asignar las señales de audio a los canales correspondientes.

3.3. Ajustes de Niveles y Crossover

  • Estructura de Ganancia:

    • Ajusta los niveles desde la mesa de mezclas hasta el amplificador, asegurando una buena relación señal/ruido.
  • Crossover Interno:

    • División de Frecuencias Automática:

    • El D80 divide las frecuencias entre los T10 y los B6 según los presets seleccionados, asegurando que cada altavoz reciba el rango de frecuencia óptimo para su desempeño.

    • Punto de Crossover:

    • El punto de cruce entre los T10 y los B6 está predefinido en el procesamiento del D80, generalmente alrededor de 100 Hz. Las frecuencias por debajo de 100 Hz se envían al B6 (SUB) y las frecuencias por encima de 100 Hz se envían a los T10 (TOP).

    • Filtros de Crossover:

    • El D80 utiliza filtros de cruce de alta precisión, como Linkwitz-Riley de 24 dB/octava, para garantizar una transición suave y minimizar la superposición de frecuencias entre los altavoces.

    • Estos filtros ayudan a evitar cancelaciones o refuerzos no deseados en ciertas frecuencias, proporcionando una respuesta más uniforme.

    • Alineación de Fase y Tiempo:

    • El amplificador ajusta automáticamente la fase y el delay (retardo) entre los T10 y los B6 para asegurar que las ondas sonoras lleguen al público sincronizadas.

    • Esta alineación temporal es crucial para mantener la coherencia del sistema y garantizar una calidad de sonido óptima.

    • Personalización Avanzada:

    • A través del d&b R1 Remote o directamente en el D80, es posible ajustar manualmente el punto de crossover y otros parámetros si las condiciones del espacio o las necesidades del evento lo requieren.

    • La flexibilidad del D80 permite adaptarse a diferentes configuraciones acústicas y preferencias sonoras.

    • Protección de Componentes:

    • Al dirigir las frecuencias correctas a cada altavoz, el D80 ayuda a prevenir daños por sobreexigencia, ya que los T10 no recibirán frecuencias demasiado bajas que podrían afectar su rendimiento, y los B6 manejarán eficientemente las frecuencias bajas.

  • Balance Estéreo:

    • Verifica que los niveles entre los canales izquierdo y derecho estén equilibrados para una imagen estéreo precisa.
    • Utiliza mediciones o escuchas críticas para asegurarte de que ambos lados del sistema suenan uniformes.

4. Cálculo de Impedancias y Potencia

4.1. Impedancia por Canal

  • T10 (Canales A y C):
    • Dos T10 en paralelo:
\frac{1}{Z_{\text{T10 total}}} = \frac{1}{16\Omega} + \frac{1}{16\Omega} = \frac{1}{8\Omega}
  • Impedancia total: 8 Ω
    • B6 (Canales B y D):
  • Impedancia individual: 8 Ω

4.2. Potencia por Canal

  • Potencia de salida a 4 Ω: 4000 W.
  • Distribución de Potencia:
    • Canales A y C (T10):
    • Potencia total: 2000 W
    • Potencia por T10:
P_{\text{nueva}} = \frac{P_{\text{original}} \times R_{\text{original}}}{R_{\text{nueva}}}

Entonces:

P_{\text{nueva}} = \frac{4000\,\text{W} \times 4\,\Omega}{8\,\Omega} = \frac{16000\,\text{W}\cdot\Omega}{8\,\Omega} = 2000\,\text{W}
  • Canales B y D (B6):
    • Potencia total: 2000 W
    • Potencia por B6: 2000 W

4.3. Consideraciones sobre la Potencia

  • Potencia Recibida vs. Potencia Nominal:
    • T10: Potencia nominal de 200 W, recibiendo hasta 750 W.
    • B6: Potencia nominal de 400 W, recibiendo hasta 1500 W.
  • Protección mediante el D80:
    • El amplificador utiliza limitadores y procesamiento DSP para evitar daños por sobrecarga.
    • Es esencial no operar al máximo nivel constante y ajustar correctamente los limitadores.

5. Argumentación de la Configuración Elegida

5.1. Ventajas de la Configuración "Mix TOP/SUB"

  • Optimización del Sistema:
    • Permite una integración eficiente entre los T10 y los B6.
  • Simplificación del Cableado:
    • Un único cable Speakon de 4 hilos por lado reduce la complejidad y el tiempo de montaje.
  • Procesamiento Avanzado:
    • El D80 gestiona de forma óptima la división de frecuencias y la protección de los altavoces.

5.2. Consideraciones Importantes

  • Monitoreo de Niveles:
    • Vigilar constantemente los niveles para evitar sobrecargar los altavoces.
  • Configuración Precisa del Amplificador:
    • Asegurar que el modo "Mix TOP/SUB" y los presets estén correctamente configurados.

Recursos Adicionales

1.3 Ejercicio de Síntesis

Objetivos del proyecto:

  1. Crear dos instrumentos en Operator utilizando la síntesis FM.
  2. Grabar un sonido de tu entorno para convertirlo en una base rítmica.
  3. Aplicar efectos de audio a tus sonidos e innovar con la replicación de tus grabaciones.
  4. Desarrollar un pequeño proyecto de diseño sonoro combinando tus instrumentos e ideas.

Pasos a seguir para tu proyecto:

Parte 1: Diseña dos instrumentos en Operator

  1. Instrumento 1: Síntesis FM básica

    • Abre Ableton Live y carga el sintetizador Operator.
    • En Operator, configura el Oscilador A como la señal portadora y el Oscilador B como la señal moduladora.
    • Ajusta la frecuencia del Oscilador B para que afecte la frecuencia del Oscilador A, creando un sonido interesante y armónico.
    • Experimenta con las diferentes formas de onda (seno, cuadrada, diente de sierra) para modificar el sonido. Haz que tu instrumento sea único.
    • Consejo: Piensa en qué tipo de sonido quieres: ¿un bajo profundo, un pad suave, o un lead agudo?
  2. Instrumento 2: Síntesis FM avanzada con modulación

    • Crea otro instrumento con Operator.
    • Esta vez, usa más de dos osciladores para generar una textura más compleja. Por ejemplo:
      • Oscilador A como portador.
      • Osciladores B y C como moduladores en diferentes frecuencias.
    • Añade un LFO (Low-Frequency Oscillator) para que el sonido cambie con el tiempo. El LFO puede modular la amplitud o la frecuencia de alguno de los osciladores.
    • Automatiza algún parámetro (como la frecuencia del modulador) para que cambie a lo largo de la duración del sonido.

Parte 2: Graba un sonido de tu entorno para la base percusiva

  1. Grabación del sonido:

    • Utiliza tu micrófono o el grabador que prefieras para capturar cualquier sonido de tu entorno. Puede ser el golpe de una mesa, el sonido de una puerta, o incluso el chasquido de tus dedos.
    • Arrastra el archivo de audio grabado a una pista de audio en Ableton Live.
  2. Transforma el sonido en una base rítmica:

    • Corta partes del sonido que grabaste usando la herramienta de corte (Ctrl + E en Windows, Cmd + E en Mac).
    • Usa Audio Effects para transformar el sonido en una percusión. Prueba lo siguiente:
      • Reverb: Para añadir espacio y profundidad.
      • Delay: Para hacer que el sonido se repita rítmicamente.
      • Distorsión: Para darle un carácter más agresivo y rítmico.

Parte 3: Crea una base rítmica con replicación de sonidos

  1. Replicación de los sonidos grabados:

    • Copia y pega los fragmentos de sonido que grabaste para crear patrones rítmicos. Puedes hacer una caja de ritmos replicando y distribuyendo los sonidos en el timeline.
    • Ajusta el volumen y el paneo de los diferentes golpes para crear una base rítmica interesante y dinámica.
  2. Añade efectos adicionales:

    • Aplica efectos de filtro para eliminar las frecuencias bajas o altas y dar un toque especial a tu base.
    • Experimenta con efectos de modulación como phaser o flanger para darle más movimiento a tu sonido percusivo.

Parte 4: Combina tus instrumentos e ideas

  1. Mezcla los instrumentos y la base:

    • Ahora que tienes dos instrumentos diseñados en Operator y una base rítmica creada con tu grabación, comienza a combinarlos.
    • Usa los dos instrumentos FM para tocar melodías, acordes o secuencias que se integren con tu base rítmica.
    • Asegúrate de que los instrumentos y la base convivan bien en la mezcla. Ajusta los niveles, panoramización y efectos para obtener un resultado equilibrado.
  2. Experimenta con la estructura:

    • Piensa en cómo organizar tu proyecto: ¿quieres que comience con un instrumento suave y luego entre la base rítmica? ¿O prefieres que todo empiece junto de manera potente?
    • Juega con la automatización de los efectos para que tus sonidos evolucionen con el tiempo.

Entregables:

Al finalizar el proyecto, deberás entregar dos archivos:

  1. Un archivo exportado en formato WAV que contenga la mezcla final de tu proyecto, donde se incluyan los dos instrumentos diseñados en Operator y la base rítmica creada a partir de tu grabación.

  2. La sesión de Ableton Live (.als) completa, que muestre todo el proceso de diseño sonoro, incluyendo los instrumentos, efectos aplicados, automatizaciones, y la estructura final de la composición.

Asegúrate de que tanto el archivo WAV como la sesión de Ableton estén bien organizados y nombrados correctamente para su revisión.